Mujeres artistas. 10 Estrellas fugaces de la historia del arte.
Mujeres artistas. Cada una tan singular e irreemplazable. Mujeres artistas. Estrellas fugaces de la historia del arte. Mujeres. Grandes y pequeñas, porque sin ellas el Arte no sería el mismo. ¿A cuántas sabrías nombrar?🧐
«La mujer artista es sencillamente ridícula”, Renoir
Esta afirmación que hizo un gran artista como Renoir, era la tendencia generalizada de pensamiento hasta el SXX. Imaginaros!! Si los propios artistas masculinos imponían el machismo en el ámbito artístico, que pensaría el resto de la sociedad, todavía estancada en principios retrógrados e infantiles con respecto al papel de la mujer.
Las artistas contemporáneas comienzan a tener presencia en el mundo del arte. Pero hasta el SXX, una gran mayoría de estas creadoras, seguían y siguen perteneciendo a las notas de los pies de página de libros.
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Es el caso de Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, descubiertas por el gran público gracias a las exposiciones que El Museo del Prado las ha dedicado.
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Gracias a la tendencia revisionista que ha introducido el feminismo en el mundo del arte, han empezado a salir de los almacenes de los museos para ser visibles en sus salas e introducidas en la historia del arte.
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El Museo del Prado también facilitó el descubrimiento, dos siglos después de su existencia, de la obra de Clara Peeters. En 2016, el museo le dedicó la primera gran exposición.
¿Como os quedáis?. La obra de esta artista fue infravalorada debido a su sexo.😟😟
Clara Peters (1580/90- 1621/22) fue una innovadora y delicada artista, con un estilo realista, muy novedoso en su tiempo.
Esta mujer artista, cultivó el género del bodegón con un realismo que revelan un espíritu emprendedor y una mentalidad vanguardista.
Primero, porque el bodegón en la primera década del SXVII formaba parte de pocas colecciones y, segundo porque todavía prevalecía el idealismo renacentista frente al realismo.
Los bodegones de Clara Peeters muestran una detallada información sobre la lujosa vajilla que se usaba y los alimentos que se consumían en los hogares de las clases aristócratas. Son un auténtico testimonio de la época.
Clara Peeters, a menudo, incluyó, en sus cuadros, autorretratos reflejados en las superficies de jarras y copas. Estos retratos, apenas visibles, aparecen en al menos ocho de sus obras. Otra licencia creativa que resulto muy innovadora.
Estos autorretratos también descubren su calidad como artista, ya que, su diminuta escala es una demostración de su maestría.
El gran culpable del desconocimiento de estas mujeres artistas fue el concepto que se tenía de la Historia del Arte durante el siglo XIX.
El concepto patriarcal existente durante este siglo dejó a las mujeres relegadas al ámbito hogareño, casi de forma exclusiva, de forma que las publicaciones artísticas que aparecían en los libros eran, solo, de hombres.
Cuando se crearon los grandes museos en este siglo, esta tendencia se estandarizó y las salas se llenaron de obras de arte masculinas.
Manuel Jesús Roldán escritor de ‘Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte’ (Almuzara) cuenta que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema, las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas.
“Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños. La existencia de artistas femeninas fue reducida en muchas épocas. Pero hay un buen número de nombres de mujeres que, en cada etapa de la historia, alcanzaron una fama y un reconocimiento público que fue posteriormente silenciado”
roldán
Pero este sentido de pertenencia al ámbito, exclusivamente, masculino que tenía el mundo artístico, venía de lejos.
En los siglos XVI y XVII, las mujeres no tenían acceso a recibir formación académica, ni podían asistir al taller de un maestro pintor, ya que les estaba prohibido observar modelos masculinos desnudos para su estudio, lo que les limitaba su aprendizaje.
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La dificultad del aprendizaje del dibujo anatómico a partir de modelos vivos, normalmente masculinos que posaban desnudos, a los que las mujeres no tenían acceso, limitaba la producción al género del bodegón o al retrato.
Lo común era que las jóvenes que querían dedicarse al arte, se iniciaran en el taller de su padre artista.
El aprendizaje se valoraba más como un entretenimiento propio de la mujer, mas que como una iniciación a la capacidad de poder vivir del arte, como los artistas hombres profesionales.
Dentro de las clases adineradas se volvió más común que las jóvenes fueran instruidas por artistas consagrados. Aunque la finalidad era el matrimonio, y ahí se acaba la carrera artística, como tal, de cualquier mujer.
ROSALBA CARRIERA (1675-1757) fue una pintora italiana perteneciente al estilo rococó en su Venecia natal.
Reconocida por el lanzamiento de la pintura al pastel durante su estancia en París en 1720 y por la realización de miniaturas.
Se inició en el mundo artístico, de niña, cuando ayudaba a su madre creando patrones de encaje. Posteriormente comenzó a pintar miniaturas y sus retratos le proporcionaron una clientela que incluía a Maximiliano II de Baviera o Federico IV de Dinamarca.
Viajó a París, elegida miembro de la Academia Francesa por aclamación. Tuvo como pupila a la reina en la corte de Polonia y en 1705 se convirtió en “académico de mérito” de la Academia de San Luca, un título reservado para los artistas no romanos.
Como estaréis leyendo, las costumbre y las leyes, por lo tanto, no favorecían la integración de las mujeres en el mundo profesional del arte.
Pero, a pesar de los inconvenientes, un reducido número de mujeres consiguieron salvar las limitaciones existentes y convertirse en pintoras.
Mujeres artistas que rompieron las normas.
ANGELICA KAUFFMAN (1741-1807)
Con quince años, ya realizaba retratos de forma independiente.
A diferencia de otras pintoras de su época, se negó a realizar solo retratos y naturalezas muertas, y se entregó a pintar composiciones de historia, género que en su época era tenido por el más prestigioso.
Para saber más de Angelica Kauffman 👇👇👇
Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun (1755-1842)
Fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época.
Nació en 1755 en París, en el seno de una familia humilde. La reputación de su padre como retratista en colores pastel, le dio acceso a la familia, a la sociedad burguesa artística.
En 1776 se casó con el pintor y comerciante Jean-Baptiste Pierre Lebrun y esto le permitió abandonar la casa materna. Como afirmaba en sus escritos
Mi marido resultó ser un mujeriego, adicto a los juegos de azar y las prostitutas en los que gastaba el dinero que yo ganaba.
Vigée Lebrun
Pero su propia experiencia profesional y colección de maestros antiguos y grabados ayudaron a Louise a ampliar sus horizontes artísticos y perfeccionar su técnica de pintura.
El 31 de mayo de 1783 fue aceptada como miembro de la Academia Real de Pintura y Escultura. Los hombres a cargo se opusieron a su admisión, argumentando que su esposo era un tratante de arte, pero una orden del rey fijó la decisión una vez que María Antonieta presionó a su marido en favor de la pintora.
Durante sus viajes se convirtió en miembro de las Academias de Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo y Berlín.
En el siglo XIX, las mujeres fueron ganando derechos sociales y económicos y crece el número de mujeres artistas.
Ser mujer artista y dedicarse a ello de forma profesional todavía suponía ir a contracorriente del modelo femenino predominante y mejor visto por la sociedad victoriana.
La enseñanza del siglo XIX, muy influenciada aún por la Iglesia a todos los niveles, sigue contemplando a la mujer en un papel secundario. La Iglesia católica tenía un concepto funcional de la mujer. Obedecía a su papel cohesionador al interior de la familia.
Por esto, la educación de la mujer en instituciones educativas, oficiales o privadas, no estaba dirigida a formar académicas o sabias, sino mujeres piadosas.
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En este periodo surgen las primeras sociedades de mujeres artistas desde las que lucharán contra la discriminación de organismos oficiales como las academias. También crearán sus propios talleres y escuelas, ya que siguen teniendo vetado el acceso a las Academias de Bellas Artes.
Elisabeth Henriette Marthe Lorimier (1775 -1854) una retratista popular en París al comienzo del romanticismo.
Fue estudiante del pintor de historia Jean-Baptiste Regnault. Dotada para la pintura, pronto exhibió excelentes retratos y pinturas de género en los salones de París de 1800 a 1806 y de 1810 a 1814. .
En 1805, la princesa Caroline Murat-Bonaparte, una hermana del emperador, compró una de las pinturas expuestas en el Salón de 1804.
En 1806 Henriette Lorimier recibió una medalla de primera clase por su pintura de «Jeanne de Navarre», que luego fue comprado por la esposa del emperador Napoleón I.
Jeanne de Navarre.
JOANNA MARY BOYCE (1831-1861)
Joanna Mary Boyce, también conocida por su nombre de casada como la Sra. H.T. Wells, fue una pintora británica de retratos, imágenes de género y ocasionalmente paisajes.
Era hermana del acuarelista prerrafaelita George Price Boyce, y estaba asociada con la Hermandad Prerrafaelita.
La artista comenzó a pintar muy joven, consiguiendo labrarse una buena reputación y siendo elogiada por los críticos de arte de la época, cuando La Royal Academy de Londres aceptó exponer su retrato titulado Elgiva.
Murió joven tras dar a luz a su tercer hijo. Actualmente queda poco de su obra ya que la gran mayoría fue destruida por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.
Mrs._Edwards 1861. Joanna Boyce. 
Bird_of_god_1861
SÉRAPHINE LOUIS (1864-1942)
Fue una pintora francesa de estilo naïf que procedía de una familia pobre.
Huérfana a los 6 años, comenzó a vivir con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia y en diferentes casas de la localidad de Senlis.
En Senlis pasó casi toda su triste vida. Dedicada a limpiar, lustrar muebles y encerar pisos y casi analfabeta, acumuló en su vida dolor, esperanzas religiosas y la esperanza de un amor perdido.
Al terminar su labores, mal pagadas, salía al campo para abrazar y hablar a los árboles y las flores.
Es en esta época donde pinta por las noches plantas y flores en pequeños rectángulos de madera, sin pensar que sus obras podrían tener algún valor comercial.
En 1912 el marchante Wilhelm Uhde descubrió sus obras y durante años la visitó en Senlis, pero cuando se distanció, Louis sucumbió a la depresión y la locura. Ingresada en un manicomio y abandonada a su suerte, murió de privaciones y hambre en 1942 sin haber conseguido una exposición individual en París.
SABINE LEPSIUS (1864-1942)
Hija del pintor Gustav Graef y esposa del también artista Reinhold Lepsius, participó en la fundación del movimiento Secesionista en Berlín y expuso con ellos hasta 1913.
Sabine Lepsius formó tandem artístico con su marido. En este caso, ambos gozaban de idéntico reconocimiento por su trabajo.
Organizaron su propio salón para reunir a las personalidades más importantes del momento en el terreno cultural y artístico. A ellas asistieron los poetas Rainer Maria Rilke o Stefan George.
Muy pocas de las obras de Sabine Lepsius han sobrevivido. Pero, en este caso, por una cuestión política.
Su prolífica obra, aproximadamente unos 280 retratos, mostraban a personas de la comunidad judía, de la que procedía su madre, y fueron destruidos o perdidos durante la Segunda Guerra Mundial.
La Antigua Galería Nacional de Berlín, Natioalgalerie, presentó hace unos meses una interesante exposición, «Luchando por la visibilidad. Mujeres artistas en la Galería Nacional antes de 1919.», que se enlaza a esa constante de la revisión de la Historia del Arte que, muchos museos internacionales, al igual que los españoles, están llevando a cabo en los últimos años. Entre todas las mujeres de esta exposición que termina en marzo de 2020, se puede ver el espacio dedicado a Sabine Lepsius.
CHARLEY TOOROP (1891-1955)
Annie Caroline Pontifex Fernhout-Toorop, conocida por Charley Toorop, nació en Holanda y es una artista que se formó con su padre, el pintor simbolista Jan Toorop.
Sus primeras obras pertenecen al estilo simbolista aunque con los años evolucionó hacia el expresionismo y la Nueva Objetividad.
Amiga de Piet Mondrian y de Bart van der Leck, fundadores del movimiento De Stijl, en 1916 entró a formar parte del grupo Het Signaal, La Señal.
Sus obras se han adscrito también a la Escuela de Bergen, caracterizada por la influencia del cubismo en su base expresionista y la preferencia por los colores oscuros.
A partir de 1930 pintó principalmente figuras femeninas, desnudos y autorretratos.
EDYTH STARKIE (1867-1941)
Edyth Starkie (1867 – 1941) es una pintora irlandesa que produjo una obra pictórica de calidad y relevancia internacionales, a pesar de que se la recuerda sobre todo por ser la mujer de Arthur Rackham, pintor y uno de los ilustradores más importantes de Inglaterra.
La fama de su marido fue precisamente ,junto con su débil salud, una de las principales dificultades en su carrera como artista, ya que en el Reino Unido se la conocía como a “la mujer de”.
Expuso en numerosas ocasiones en la Royal Academy of London. LLamó varias veces la atención de la crítica, sobre todo extranjera, y ganó premios y reconocimientos en certámenes españoles y franceses.
De adolescente, Edyth Starkie fue a Londres y posteriormente a París para formarse en educación artística, ya que en Irlanda era prácticamente imposible para una mujer poder acceder a estudios de Bellas Artes.
El siglo XX es testigo de los grandes avances del movimiento feminista y de la lucha por los derechos de la mujer. Las vanguardias artísticas terminan de romper con las normas del academicismo y las nuevas fórmulas del arte se exponen en salones independientes paralelos a los oficiales atrayendo a las mujeres artistas.
Pero todavía en la primera mitad del siglo las mujeres artistas seguirán a la sombra de los hombres.
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