El color en el arte y las emociones. Calma, confianza y conexión.

Classic Blue de Pantone, es el tono azul elegido para el año 2020. Se trata de un tono azul «intemporal y duradero». Tres sensaciones definen este color: calma, confianza y conexión. Y tres palabras que definen como debemos enfrentarnos a una era llena de incertidumbre, no solo debido a las crisis económica y ambiental, sino a la crisis sanitaria en la que vivimos. La utilización del color en el arte, no es accidental.

Pero mejor centrarnos en el color. Este color classic blue de Pantone, ha sido descrito como el color del mar, pero también el color de los sueños y también como el color de la generación Z (1994-2010). Es un color elegante por su simplicidad.

¿Por qué es tan importante el color en el arte?

Los colores ejercen una influencia importante sobre nuestras emociones. La presencia del color en nuestro día a día es importante porque nos permite expresar estados de ánimo y diferenciar marcas y productos entre si.

En el territorio del Arte, el color, es uno de los elementos más importantes a tener en cuenta. Es la parte más expresiva de la obra y no solo en la pintura, también en otras expresiones artísticas como la arquitectura y la escultura.
Los otros elementos del arte son espacio, forma, textura, valor y línea

Cada color tiene un significado, tiene una función y va unido a una emoción concreta. El color es luz y energía que nuestros ojos captan del entorno provocando una reacción en nuestro cerebro.

La psicología del color estudia como afectan los colores al comportamiento humano. Existe una relación entre colores y sentimientos, que no son accidentales.

“Vienen dadas por unas experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento“

Eva Heller . “Psicología del color ¿Como actúan los colores sobre los sentimientos y la razón?.

Desde que el hombre es hombre, el color y el estudio del mismo ha tenido suma importancia.

🖍 La pintura paleocristiana y  la bizantina, determinaron la trayectoria de la pintura medieval tanto en aspectos icono gráficos y del simbolismo del color.

Los principales colores eran pigmentos que provenían de la Antiguedad. Hablamos de la utilización del oro para el amarillo, La púrpura de Tiro, que era un colorante o tinte de color púrpura, para el color del mismo nombre. Este último reservado para los emperadores romanos y los príncipes de la iglesia.

🖍 Al tiempo que en toda Europa se desarrollaba el llamado Gótico internacional, surgía en Italia, el Renacimiento. El color en el arte comenzaba a ser importante.

El Quattrocento, primera fase del Renacimiento, se distinguió por el hallazgo artesanal de la pintura al óleo. Esta nueva técnica permitió mayor brillantez en las obras y mejores matices cromáticos. Los pigmentos seguían limitándose a los azules, rojos y verdes.

La obtención y preparación de los pigmentos fue una de las tareas más importantes del oficio artesanal de pintor

🖍 El gusto por el color pasó a ser una característica distintiva de la escuela veneciana. La ubicación de Venecia, permitió acceder a un mayor mercado de pigmentos, productos que seguían siendo considerados, todavía, como exóticos.

La paleta de colores que se utilizaba entonces, se formaba por los colores que se preparaban en pequeños depósitos, cuyo número va de la media docena  hasta cantidades mas altas.

Vasari, cronista de la época, reseña el uso de paletas por Lorenzo di Credi, compañero de Leonardo en el taller de Verrocchio, indicando que

“hacía un gran número de mezclas, graduándolas de la más clara a la más oscura con troppo e veramente soverchio ordine, llegando a tener treinta mezclas en su paleta, para cada una de las cuales usaba una brocha diferente”. 

🖍 Tiziano fue uno de los mayores exponentes de la escuela Veneciana. Su obra se distinguió por el uso de un color vivo, luminoso, modulaciones cromáticas acompañadas de una pincelada suelta, que significaron una revolución en su momento porque.

Otro pintor de la escuela veneciana siempre proclamó que “El color de Tiziano y el dibujo de Miguel Ángel”, eran su ideal pictórico.

​No obstante, Miguel Angel también fue un gran colorista. Solo hay que ver los frescos de la Capilla Sixtina para constatarlo.

🖍 Durante el Barroco surgieron algunos manuales de arte que explicaban las mezclas para conseguir determinados colores, como el verde. Los manuales eran bastantes explícitos. En El caballero completo ( The Compleat Gentleman de 1622) el consejo para los verdes era:

“Para un Verde oscuro y triste, como el de las hojas interiores de los árboles, mézclese Índico y Rosa. Rosa y Masticot para uno claro[aquí amarillo de plomo-estaño]; color hierba, Cardenillo y Rosa, para uno claro”

Sin embargo, tanto Velázquez (que no utilizó nunca un pigmento verde puro) como el pintor barroco holandés, Samuel van Hoogstraten, se quejaban de la falta de un verde de calidad.

“Quisiera que tuviésemos un pigmento verde de tanta calidad como el rojo o el amarillo” decía el holandés.

🖍 Con el progreso, a partir de la Revolución Industrial, llegaron las innovaciones técnicas a los pigmentos y el abaratamiento de la producción de los mismos. El color en el arte comenzó a adquirir gran importancia en la expresión de emociones.

En el mundo artístico había predominado el academicismo y las normas impuestas por la Academia de Bellas Artes, a la hora de realizar una obra: el dibujo era más importante y predominaba sobre el color, que cedía su importancia al primero.

Pero la oposición a esta corriente oficial, “académica”, hizo que surgieran corrientes alternativas.

Durante la segunda mitad del SXIX surge el Impresionismo.

Los impresionistas aprendieron mucho acerca del uso de los colores estudiando las obras de Delacroix y Turner.

Los colores complementarios comenzaron a ser descubiertos por Newton. Se refiere a los colores opuestos en la rueda cromática ( rojo/verde, violeta/amarillo….). La utilización de complementarios provoca en nuestra retina una sobre-excitación y se potencian ambos tonos.

Delacroix estudió las ruedas cromáticas de Chevreul. Turner, por su parte, era un ávido consumidor de todo lo novedoso en cuanto a pigmentos y lacas. Su paleta tenía todas las innovaciones conocidas: Azul cobalto, verde esmeralda, verde viridian, bermellón naranja, amarillo, naranja y escarlata cromo.

Los impresionistas también aprendieron de Delacroix que, mezclando los colores con el blanco se obtenía mayor luminosidad, y que las sombras se pueden conseguir yuxtaponiendo colores entre sí, sin utilizar el negro.

El abandono del taller como lugar de trabajo y poniendo de moda el “plein air” o creación al aire libre, produjeron importantes transformaciones en cuanto al color y la luz. Utilizaban colores primarios como el cyan, el magenta y el amarillo; y colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Añadidas las pinceladas cortas, su obras adquirían una impresión de realidad total.

El físico y médico alemán Hermann von Helmoholtz (1821-1894) planteó teorías que también fueron utilizadas por los impresionistas. En su obra, “planteó el uso del contraste como único medio a través del cual el artista podía acercarse a la representación de la luz natural”

🖍 En el postimpresinismo, Van Gogh llega a París. En sus cartas a su hermano Theo describe su preocupación por llegar a dominar el color en sus obras. El artista planteaba 3 niveles de color.

La cuestión de los colores complementarios, del contraste simultáneo y de la destrucción recíproca de los complementarios es la primera y la más importante; otra es la cuestión de la influencia de dos semejantes, por ejemplo, un carmín y un bermellón, un rosa-lila y un azul-lila.

La tercera cuestión es oponer un azul pálido a un mismo azul oscuro, un rosa a un pardo rojizo, un amarillo gamuza, etc. Pero la primera cuestión es la más importante.

V. Van Gogh. Cartas a Theo 

🖍 A lo largo de la Historia han existido muchos artistas que han basado su obra en la importancia del color, como elemento principal.

Paul Gauguin (1848-1903) sacrificó los elementos formales de la obra por el color. Entendía el arte como una abstracción. Su intención era expresar los estados anímicos únicamente a través de los recursos plásticos formales, quitando importancia al tema. 

El pintor estadounidense Whistler, que estaba ligado a los movimientos simbolista e impresionista, fue más allá y propuso la idea de que el color podía tratarse en términos musicales.

Henri Matisse llegó a la máxima simplificación del trazo en virtud del color. La serie de Desnudos azules, escenifica una fascinación recuperada por la figura del cuerpo femenino.

Kandinsky, era  sinestésico (percibía conjuntamente asociados sonidos y colores) y desarrolló una especial teoría de la sinestesia en su obra  “De lo espiritual en el arte” (1910). Decía que “toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces madre de nuestros sentimientos.” 

Junto a un grupo de artistas expresionistas ( August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee), fundó el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) que transformó el expresionismo alemán.

Yves Klein ,un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neodadaísta, identificó el propio pigmento con la obra de arte. Sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en un variedad de colores. Destacan el rosa, el dorado y el azul.

La elección de estos colores respondía a un significado particular para él: el rosa representaba a los Rozacruces. El dorado representaba la unión entre aquello material y lo espiritual. Y luego está el azul intenso, que patentó como el International Klein Blue o “el azul Klein”

🖍 En la actualidad, la invención y disponibilidad de nuevos colores en el arte es indiscutible. Como el escritor de manuales de arte, Ernst Gombrich, dice  

“el artista no puede transcribir aquello que ve. Puede sólo traducirlo con los medios que tiene a su alcance, y estará vinculado estrechamente a la gama de tonalidades que tenga a disposición.”

La revolución digital tiene mucho que decir todavía respecto al color en el arte. Quedan colores secretos por descubrir. 😉 😉

Y aunque, podría parecer simple la elección del color del año, Pantone lleva a cabo un proceso de análisis importante.

Según explican, el proceso de selección del color del año 2020 “requiere una atención cuidadosa a la actualidad visual y un análisis de tendencias. Para llegar a la selección cada año, los expertos en color examinan el mundo en busca de nuevas influencias de color en campos como la industria del entretenimiento, las colecciones de arte itinerantes y nuevos artistas, la moda, todas las áreas de diseño, incluso los destinos de viaje más populares, así como nuevos estilos de vida o condiciones socioeconómicas. Las influencias también pueden provenir de nuevas tecnologías, materiales, texturas y efectos que afectan el color, las plataformas de redes sociales relevantes e incluso los próximos eventos deportivos que captan la atención mundial”

Tras este largo proceso, Pantone ha llegado a la conclusión que este azul, será clave este año.

«Al infundir calma, confianza y conexión, este tono de azul resalta nuestro deseo de contar con una base estable y que dé confianza sobre la cual ir construyendo a medida que cruzamos el umbral hacia una nueva era»

pantone.

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