La expresión en el arte a través de 6 obras maestras.

¿Es posible entender el arte como la expresión de una o varias emociones, independientemente de su valor estético y formal?.

Las emociones se expresan por distintas vías, ya que la subjetividad desempeña un gran papel en la obra de arte.

Y, todos, podemos apreciar una obra de arte, estemos o no cualificados academicamente.

El arte es una magnífica herramienta para expresar las emociones. Al ser, el arte, algo subjetivo, su definición está abierta a muchas interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad que rodean al acto creativo. La noción de arte continúa sujeta a profundas discusiones ya que su definición es algo difícil.

El arte “es un modo de expresión en todas sus actividades esenciales, intenta decirnos algo acerca del universo, del hombre, del artista mismo. El arte es una forma de conocimiento tan precioso para el hombre como el mundo de la filosofía o la ciencia. Desde luego, sólo cuando reconocemos claramente que el arte es una forma de conocimiento paralela a otras, pero distinta de ellas, por medio de la cual el hombre llega a comprender su ambiente, sólo entonces podemos apreciar su importancia en la historia de la humanidad”

Herbert Read,  pensador inglés, filósofo político, poeta, novelista, anarquista y crítico de literatura y arte. 1990

El arte no es un terreno exclusivo de los intelectuales, como solemos pensar. A principios del siglo XIV, las creaciones artísticas iban dirigidas a personas sin apenas conocimientos básicos, prácticamente analfabetas, pero, capaces de entender historias narradas de forma visual e identificarse con ellas.

Miguel Ángel, trabajaba en una de sus esculturas en Florencia, cuando un transeúnte le comentó que la mano no había quedado correcta, tal cual la había esculpido. Miguel Ángel, tomando como referencia los comentarios de dicho transeúnte, cambio la forma.

Existen muchas obras de arte. La cantidad de obras producidas a lo largo de la historia es impresionante. Pero no salen todas a la luz o no resultan tan excepcionales como para perdurar en la memoria de las diferentes generaciones.

¿Qué hace que una obra, sea una “obra maestra”. Qué provoca en nuestra mente, que la obra perdure en ella a lo largo del tiempo.? ¿Será la expresión del color, el dramatismo, su realismo, su temática…?

No sabemos con exactitud que es lo que convierte a una obra en maestra, pero hay obras que perduran por encima de otras muchas.

Hay obras que, sencillamente, nos emocionan y otras no. Más que, desde un punto de vista estético, desde un punto de vista filosófico.

” El encanto de la belleza estriba en su misterio; si deshacemos la trama sutil que enlaza sus elementos, se evapora toda la esencia”

Friedrich Schiller, poeta, dramaturgo, filósofo e historiador alemán.

Hay obras que llegan a ser “maestras” por lo que expresan, otras por su realismo, por su simbolismo, erotismo, por su dramatismo. Hay varios matices por lo que podríamos agrupar a diferentes obras.

En esta ocasión, nos vamos a centrar en el matiz de la EXPRESIÓN.

Si hablamos del tema “expresión” dentro del arte, hay algunas obras que merecen un reconocimiento especial por lo que representaron en su momento de creación. Obras a lo largo de la historia y de diferentes movimientos artísticos.

Aquí os vamos a mostrar 6 de ellas, aunque sabemos que existen más.

📌 Lamentación por Cristo muerto (1304-1313) de Giotto di Bondone. Expresión a Través del gesto.

Giotto di Bondone o simplemente Giotto, fue un pintor, muralista, escultor y arquitecto florentino de la Baja Edad Media, considerado uno de los iniciadores del movimiento renacentista en Italia.

Su obra fue determinante para los movimientos pictóricos posteriores. Un contemporáneo de Giotto, el banquero y cronista Giovanni Villani, lo describió como «el maestro de pintura más soberano de su tiempo, quien dibujó todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza».

En esta obra, Giotto creó, por primera vez en la historia del arte, imágenes dotadas de una auténtica humanidad. Esta pintura muestra emociones puras en los rostros de los representados. Es una de las obras mas expresivas e intensas debido al drama representado. No solo en los rostros de las figuras. El paisaje es árido, con una montaña rocosa que forma una diagonal hasta un árbol seco en lo alto, que subraya la desolación por la muerte de Cristo.

Giotto fue un artista de gran talento que liberó al arte de la fórmula de la tradición medieval y lo ensalzó con un nuevo realismo, propio de un artista de carne y hueso con sus penas y alegrías.

📌 Puesta de sol sobre un lago. J.M.W Turner. Obra de 1840. Expresión de lo sublime.

Joseph Mallord William Turner es un pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es valorado como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.

En su época, su pincelada poco precisa y el paisaje, intencionadamente, poco definido, hacia que sus obras pareciesen pendientes de terminar. Un siglo después, su estilo fue reconocido como crucial para la evolución de la pintura de paisaje y ejerció una gran influencia en generaciones de artistas posteriores, como los Impresionistas.

En esta obra, influido por el ideal romántico de generar una respuesta en el espectador, Turner expresa lo sublime, que se siente al presenciar una puesta de sol en un paisaje incierto, no reconocible.

No pinto para que la gente me comprenda, pinto para recrear una escena.” J.M.W. Turner.

📌 Campo de trigo con cuervos. 1890. Vincent Van Gogh. Expresión a través de la pincelada y el color.

Van Gogh era un dibujante de gran destreza. En esta obra utiliza las pinceladas y el color como dos de sus grandes herramientas de expresión.

La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo.​ La sensación de aislamiento del artista se ve reforzada por un camino central, que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. Esta aves eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento. Los cuervos en la pintura eran un símbolo del todo personal, estrechamente asociado con la vida misma de Van Gogh.

La pintura refleja el estado emocional de Van Gogh. El artista pintó esta obra en las últimas semanas de vida. Pero es una obra producto de una mente inteligente y ordenada.

“En vez de intentar pintar exactamente lo que veo ante mí, hago un uso más arbitrario del color para expresarme con mayor contundencia”

Van Gogh.

📌 Barcas en el puerto de Collioure. 1905. André Derain. Expresión a través del contraste de color.

André Derain pintó esta obra en 1905 cuando, su amigo y compañero de profesión, Henri Matisse le pidió que fuera a veranear al pueblo francés de Collioure, que se encuentra en la costa mediterránea.

Derain quedó impresionado por la luz sobre la costa. En esta obra plasmó lo que vio y sintió al observar dicho fenómeno. Plasmó la playa en rojo intenso, para expresar el calor y el resplandor del sol, al contrario que el tipo de playa preconcebida de arena amarilla.

No se sabe si el color de las barcas era el auténtico o fruto de lo que percibió el artista en ese momento. Lo que si sabemos es, que Derain pintó, expresamente, una linea azul oscuro en el horizonte para realzar la luminosidad general de la obra.

📌 Guernica. 1937. Pablo Picasso. Expresando el horror.

Si hay una obra que expresa el horror de la guerra, es Guernica de Picasso.

Hoy en día es un icono universal y obra maestra de expresión contra el absurdo de la guerra. Picasso aceptó el encargo del gobierno republicano español en 1937 para hacer esta obra para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París.

Existe un interminable debate sobre la utilización del color negro, las formas puntiagudas de las figuras, la distorsión de las mismas….Sin embargo lo más impresionante de esta obra es el dinamismo que representa para que nadie olvide la historia.

📌 Estudio del papa Inocencio X de Velázquez. 1953. Francis Bacon. Expresión de la exageración.

Francis Bacon se inspiró en el retrato que Velázquez realizó en 1650 al Papa Inocencio X. A lo largo de su carrera, Francis Bacon, gran admirador de la obra de Velázquez, realizó mas de 40 estudios sobre la obra original hasta llegar a ésta.

Bacon ha reemplazado la cara del Papa por un rostro fantasmagórico que grita y que está sentado sobre una silla eléctrica iluminada por una descarga. El entorno que rodea la figura es confuso.

Con esta obra, Bacon realizó una brutal y contundente crítica a la religión moderna y medieval por los horrores cometidos. Además, el artista utilizó la obra para vengarse de la doctrina católica, porque él mismo había sido criado en un hogar católico que le obligó a una infancia llena de abusos y miseria.

En este caso, el artista ha expresado, mediante la exageración, su repulsa a la religión.

Bacon admiraba tanto a Velázquez que no quiso ver el cuadro original durante una visita que hizo a Roma por temor a que su obra no estuviera a la altura.

Y así terminamos nuestro recorrido artístico sobre la expresión en el arte.

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