Música y Arte, el vínculo inmortal que perdura.

La música, igual que el arte, es un lenguaje que expresa sensaciones y emociones. Es el arte de las musas en la Antigua Grecia y según la definición tradicional del término, es el arte de crear y organizar sonidos y silencios respetando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos.

“La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu”.

Miguel de Cervantes.

La música hace “magia” en los seres humanos y ha existido en todas las épocas y civilizaciones. Según estudios realizados, la influencia de la música en nuestra mente es tan poderosa, que las notas musicales generan energía, fortalecen el aprendizaje y la memoria, como el arte.

Es un importante medio para controlar el estrés en adultos y sobre todo en niños.  La música estimula la zona del cerebro encargada de la lectura, el cálculo y el desarrollo de las emociones. Como se suele decir “la música amansa a las fieras”, el refrán que alude al efecto tranquilizador que ejerce la música y que se aplica tanto a animales como a humanos. En un sentido más amplio, se refiere a la música como medio para llegar a un entendimiento pacífico entre países y culturas. (instituto Cervantes)

La música cumple diversas funciones, desde diversión y entretenimiento hasta parte de rituales sociales y religiosos. Hay personas que hacen música por diversión o de forma profesional. En cualquier caso, actualmente, el estudio de la música y de instrumentos musicales se ha extendido por todo el mundo. El piano es uno de los instrumentos más tocados en la actualidad en cualquier parte del mundo, por ejemplo las clases de piano en Guadalajara para niños

En realidad, la música y el arte cuentan una historia de amor porque son dos disciplinas que se unen y mezclan a través del sonido y la belleza de las imágenes. El arte cuenta la historia de la música como testigo de una época, a través del trabajo de importantes pintores y escultores con el objetivo de inmortalizar, tanto a los músicos como a los instrumentos musicales.

Ambos, han ido de la mano desde tiempos remotos, inspirándose mutuamente. Ya, en la mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraron la literatura, la ciencia y las artes. 

Este vínculo prosigue durante la Edad Media. En la primera parte de esta época hubo un vacío musical derivado de la diversidad de las religiones y del aislamiento entre ellas. La Iglesia era el lugar donde se ubicaba la cultura y la música. El Papa aprovechó la inestabilidad política y social, del momento, para extender la evangelización cuyo soporte, la música, cumplió una función de unión entre los pueblos y Dios.

A nivel artístico la pintura y la escultura también se convirtieron en un importante medio de difusión del conocimiento musical, junto a los manuscritos iluminados. Era práctica habitual que los portales de las catedrales románicas y góticas mostraran ángeles y santos con instrumentos musicales .

El Renacimiento surgió con fuerza como un movimiento renovador con respecto a la Edad Media. Durante los siglos XV y XVI se produce el resurgir de la cultura grecolatina. El Humanismo redescubre lo clásico en todas las artes y fomenta el desarrollo de la música.

Pero, mientras en otras artes, existían referencias visuales sobre el canon de los clásicos del arte griego y romano, en la música no existió un clasicismo estricto, al no poder tomar referencia de ninguna partitura escrita de música de la época antigua.

Así en la música de los siglos XV y XVI no hubo una ruptura con la tradición musical anterior y tampoco se hizo un intento de hacer renacer formas procedentes de la antigüedad clásica. Simplemente, la música del clasicismo evolucionó hacia una música equilibrada.

En el Renacimiento, muchos de los grandes maestros de la pintura fueron, además, músicos. El propio Leonardo da Vinci, Verrocchio, Giorgione o Bramante, entre otros.

Caravaggio también tomó la música y las partituras como inspiración para una de sus obras mas famosas, Descanso en la huida a Egipto (1595).

En el Renacimiento también surge la ópera, en las cortes de Florencia. Ya no solo con una función religiosa, como los Cantos Gregorianos de la Edad Media. La gran mayoría de los músicos se formaban y trabajaban en las capillas musicales, coros que se formaban para cantar en la corte o la iglesia. Actualmente existen multitud de coros y es más fácil acceder a su estudio (clases de canto en Guadalajara para niños)

Incluso, durante los siglos XVI y XVII, la música y el canto representaron un medio de libertad económica para las mujeres, como la pintura para otras. El canto y otras actividades musicales formaban parte de su educación y de adultas prosiguieron con su práctica, incluso, a nivel profesional, como Maddalena Casulana y Francesca Caccini.

La música es el elemento predominante en la gran obra de El Bosco, el pintor de la Escuela Flamenca. Vivía en Holanda y su casa estaba ubicada en una de las plazas principales de la ciudad. En ella pudo participar de muchos acontecimientos cotidianos, desde mercados a festividades profanas y religiosas que inspiraron sus obras.

En general, en su obra plasma instrumentos coetáneos representados de una forma realista. Y, no solo conoció la musica religiosa, sino también la profana que sonaba en las calles de su ciudad.

Es difícil encontrar una obra del Bosco que no tenga referencias musicales. En su obra más famosa, El Jardín de las delicias, el panel derecho representa el Infierno y se suele denominar “Infierno musical”, por la cantidad de instrumentos musicales representados en forma de objeto de tortura.

Incluso un hombre toca una trompeta, que es una referencia directa a las trompetas que anunciaban el Apocalipsis. En el infierno se castigan los Pecados Capitales y en este caso resulta una metáfora musical para todos aquellos que se dejan llevar por el gusto de la música profana frente a la religiosa.

Vermeer es otro de los grandes pintores de la escuela holandesa. Sus obras detallan con exactitud los interiores de las casas burguesas, sus quehaceres y sus gustos en decoración. Realizó muchas obras de temática musical que reflejaba el gusto por el aprendizaje de la música en la nueva clases emergente.

El romanticismo musical es un período que transcurrió aproximadamente entre principios de los años 1800 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período

Coincide con el Romanticismo, el periodo de cambios en literatura, bellas artes y filosofía y hermanado con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución francesa.

El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en Alemania y en Reino Unido a finales del siglo XVIII y surgió contra los preceptos de la Ilustración y el Neoclasicismo, dando prioridad absoluta a los sentimientos. El movimiento afectó de forma global a toda Europa y a todas las áreas de conocimiento cultural. La música como el arte, intentaban expresar emociones y verdades profundas.

Hacia el final de la época romántica comenzó un nuevo movimiento musical llamado música impresionista, casi a la par del desarrollo del movimiento Impresionista en el arte.

Los dos Claude, Monet y Debussy, son considerados los creadores del Impresionismo pictórico y musical. Monet es el pintor de la luz y quería representar las impresiones efímeras e instantáneas. La música de Debussy tiene esa misma atmósfera brumosa que las obras del pintor, pero lo expresa a través de tiempos libres o fuera de las escalas clásicas.

Ambos se inspiran en el viento, el mar, el cielo, el sol, la niebla, todo un mosaico de elementos naturales y efímeros que aportan magia a sus composiciones.

La figura de Wagner causó una gran impresión en Vincet Van Gogh. En la correspondencia que mantenía con su hermano Theo, alude a la música y cómo se relaciona con las demás artes. Le producía tal excitación escuchar la música del compositor que le cita con asiduidad.

“Pero de nuevo estoy como estaba en Neuen, cuando hice un vano intento de aprender música —incluso entonces— ya que sentía de manera muy intensa las conexiones que existen entre nuestro color y la música de Wagner”.

Van Gogh

La llegada del siglo XX y las vanguardias trajo consigo nuevas visiones sobre la relación entre la música y el arte. Uno de sus exponente, Picasso, manifestó su gusto por la música en varias de sus composiciones.

En el mundo picassiano, la literatura y la música eran amigas inseparables de su arte. No le gustaba la música clásica, pero sí el flamenco. También le gustaba cantar y sobre todo el ambiente festivo de los espectáculos, como el circo y las fanfarrias. Siempre vivió rodeado de músicos, cantantes y compositores. Habitual de los cafés y cabarets, su obra El Músico Arlequín de 1918, recoge el gusto por los ambientes circenses.

Pero si hay un pintor que ha elevado la música a un nivel superior es Kandinsky. El pintor ruso concluyó que cada elemento de una imagen es equiparable a un sonido interior que despierta una sensación. Su libro, Lo Espiritual En El Arte, trata sobre la belleza cromática de un cuadro y como debe atraer al espectador.

Kandinsky cree que la música es la enseñanza más rica y que el sonido tiene vía libre hacia el alma. El hombre, como afirma Goethe, “lleva la música en sí mismo”. El pintor tiene el color como elemento de expresión máximo. Arte y música se vuelven, entonces, los medios del artista para poder actuar sobre la sensibilidad del que ve una obra.

Iluminar las profundidades del corazón humano es la misión del artista.

Schumann

El pintor propone, así, una representación musical de los colores, donde el azul claro equivale a una flauta, el azul oscuro a un violonchelo o el blanco, que actúa sobre nuestra alma, corresponde a un gran silencio.

El pintor declaró que sus obras eran “composicionales”.

La práctica de la música promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral, porque activa ambos hemisferios cerebrales. A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje de otros idiomas porque se ha establecido un paralelismo entre elementos importantes de la música (tono, timbre, intensidad y ritmo) con las variaciones del habla en los diferentes idiomas. Estudiar música siempre es una opción en escuelas de música en Guadalajara Jalisco

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